Música en los Oscar 2017

La La Land (dirigida por Chazelle) fue la banda sonora triunfante en la gala de este año, recibiendo el premio a mejor Banda Sonora con el compositor Justin Hurwitz, quien ya había recibido un Globo de Oro por The Fools Who Dream. Ésta película también se llevó el premio a la mejor canción con City of Stars. 

A mejor BSO también estaban nominadas otras películas de gran calidad como Jackie (con Mica Levi, quien a pesar de su juventud está logrando un gran éxito), Lion (con Dustin O’Halloran y Volker Bertelmann, especializados en música para piano), Moonlight (con Nicholas Britell quien ha trabajado en diversas películas como New York, I Love You dirigida por Natalie Portman, Doce años de esclavitud de Steve McQueen, The Big Short del director Adam McKay, etc) y Passengers (con un conocido de las BSO de Hollywood, Thomas Newman).

Siguiendo en la línea musical, la estatuilla para el mejor montaje de sonido fue para La llegada (con Sylvain Bellemare) y la de mejor mezcla de sonido para Hasta el último hombre (con Kevin O’Connell, Andy Wright, Robert Mackenzie y Peter Grace)

La ópera de Vivaldi: Motezuma

Motezuma es una de las "óperas serias" de ViIvaldi, uno de los máximos exponentes del barroco italiano. El libreto original es obra de Girolamo Giusti y está basado en el libro Historia de la conquista de México, población y progresos de la América septentrional, conocida con el nombre de Nueva España de Antonio de Solís y Rivadeneyra. Se estrenó el 14 de noviembre de 1733 en el Teatro Sant'Angelo de Venecia.

Una de las cosas más interesantes sobre esta obra es que la música había quedado perdida tras la muerte del compositor, llegando hasta nuestros días solamente la letra, pero en 2002 se redescubrió la partitura en el archivo de la librería de la Sing-Akademie zu Berlin, una antigua agrupación coral.

Tras la Segunda Guerra Mundial, su librería fue saqueada por el Ejército Rojo y llevada a la Unión Soviética. Tras un largo viaje, el archivo acabó en Kiev, donde el musicólogo Steffen Voss descubrió la música de esta ópera, aunque el principio del primer acto y un fragmento del tercero habían desaparecido. Su representación se realizó el 11 de junio de 2005 en el Concert Hall De Doelen de Rotterdam , dirigida por Federico Maria Sardelli, su primera representación desde el siglo XVIII.

 En cuanto a su argumento, la ópera trata de las últimas horas del emperador azteca prisionero del conquistador Hernán Cortés (Fernando en la obra). Siguiendo la costumbre de la época la ópera acaba con un final feliz, casándose la hija de Motezuma con Ramiro (hermano de Fernando)

Los castrati.

El papel de los castrati fue fundamental para la ópera, ya que sus arias se basaban en la voz de estos cantantes considerados instrumentos, característica por ser una voz blanca unida a la capacidad pulonar de un adulto. Las carreras de los castrati más destacados eran comparables a las de las modernas estrellas del rock: recorrían los teatros de ópera europeos de Madrid y Moscú y sus cachés eran muy altos.

Farinelli, siglo XVIII

Los orígenes de los castrati se situa en el Imperio romano de Oriente, ya que en Constantinopla hacia el 400 d.C., la emperatriz romana consorte de Oriente (Elia Eudoxia) tenía un coro cuyo maestro era un eunuco, lo que podría haber derivado en la creación y uso de castrati en coros bizantinos. El saqueo de Constantinopla provocaría que la práctica de cantores eunucos desapareciera.

Su reaparición se produce  a principios del siglo XVI. En torno a 1550, aparecieron los primeros documentos claramente referentes a cantantes castrados en Roma y Ferrara. De hecho se prohibió la presencia de cantantes casados en la Capilla Pontificia, lo que habría propiciado que los falsetistas comenzaran a ser sustituidos por castrati. En 1589 se reorganizó el coro de la Basílica de San Pedro para incluir castrati. Así, los castrati vinieron a suplantar a los niños y a las mujeres, que también serían prohibidas en las agrupaciones corales.

En las décadas de 1720 y 1730, en el apogeo de la moda de estas voces, se ha estimado que más de 4.000 niños fueron castrados anualmente. Muchos provenían de hogares pobres y fueron castrados por sus padres con la esperanza de que su hijo pudiera tener éxito.

 En el siglo XIX, los cambios en los gustos operísticos y las actitudes sociales significaron el final de los castrati, prhibiéndose esta práctica.

Algunos de los castrtati más famosos son Farinelli, Caffarelli, Manzuoli o Carestini. EL último castrato fue A. Moreschi, del único que se tiene grabaciones.

Música instrumental del Barroco: formas musicales.

Durante toda la Historia la música vocal había estado por encima de la instrumental, pero en el Barroco nos encontramos con el auge de este segundo tipo. Comienzan a aparecer los virtuosos (instrumentistas muy habilidosos, como el caso de Tartini),  las orquestas y se perfeccionan los instrumentos, sobre todo de cuerda (aparecen los talleres de luthiers) y su técnica. Por otra parte, se siguen utilizando instrumentos de otras épocas como el sacabuche, la trompeta y la trompa.

En cuanto a las formas solísticas, destacan los preludios, las fantasías o las tocatas. Son piezas para un instrumento solista (normalmentede teclado) de tipo improvisado. Suelen ser rapsódicas, muy ornamentadas y de forma y compás poco definidos. Solían ir antesde una fuga.

 

 En cuanto a las sonatas, son composiciones para uno o dos instrumentos y otro más que hace el bajo continuo La combinación habitual era para violín, flauta travesera u oboe para las voces superiores, más cello o un instrumento de acordes (órgano, clave, arpa, laúd...) para el continuo. Con estos contrastes en la textura de los instrumetnos se potencia el contraste propio del Barroco. La sonata solía dividirse en tres o cuatro movimientos de carácter y tempo contrastantes, siguiend la secuencia Largo-Allegro-Adagio-Allegro.

El concerto grosso es otra forma instrumental que aparece al consolidarse la orquesta y consiste enalternar pasajes para la masa orquestal completa (tutti o concerto grosso) con otros para los solistas del conjunto (concertino, habitualmente formado por dos violines y un violoncello)

 

Una suite es una sucesión de movimientos o piezas de danza que se interpretan seguidas, como pueden ser la allemande (danza alemana de compás cuaternario y tempo moderado), la courante (movimiento que generalmente es un poco más rápido que el anterior, de compás ternario), la zarabanda (danza lenta de compás ternario que acentúa característicamente su segundo pulso, de origen español) y la giga (danza rápida en diversos compases de subdivisión ternaria, de origen irlandés)

Contexto cultural de la música barroca: siglo XVII y principios de XVIII

Los tres músicos, Velázquez.

La música, como cualquier otro tipo de arte, es un reflejo del tiempo histórico en el que tiene lugar. El Barroco es la época del desarollo orquestal y el perfeccionamiento en la construcción de instrumentos, por lo que tiene gran importancia en la Historia de la Música.

El músico hace uso de acordes tanto asonantes como disonantes para mostar un fuerte contraste y dar color al timbre, algo que también se produce en otras artes como la pintura en la que predomunia el claroscuro o la arquitectura con una ornamentación exuberante. Así pues, el Barroco es un estilo en el que predomina la expresividad. y el movimiento.

Además, siguiendo el racionalismo científico que imperaba en la época, en el Barroco se reducen los modos musicales a dos: el mayor y el menor. Por otra parte, nace la armonía como ciencia de estudio. de los acordes, teorizada por Gioseffo Zarlino.


Este estilo también está relacionado con la ideología política predominante en la época, la monarquía absoluta., que se apoyaba en la música para realzar su poder. También tiene gran importancia la religión, ya que muchas formas musicales siguen estando al servicio de la iglesia. Por otra parte, la música también comienza a acercarse a clases como la burguesía al aparecer la ópera comercial.

La danza renacentista

La danza es una parte muy importante de la música renacentista porque estaba presente en todas las celebraciones realizadas por las clases altas e influenció a la música instrumenta, ya que gran parte del repertorio estaba dedicado a la danza.

Todo noble con una buena educación debía saber bailar. Los bailes se realizaban en grandes salones que tenían gran importancia dentro de los palacios. Además, es en esta época cuando se encuentran los primeros manuscritos e instrucciones a cerca de cómo se debía bailar.

Al igual que en todos los aspectos de la cultura, la imprenta también influyó en la danza. En esta época se crean los primero escritos coreográficos. Sabemos de la existencia de muy variados tipos de danzas, entre los que destacan los siguientes:
La pavana fue sin duda la danza más importante de la época y abría siempre el baile. En ella sólo participaban los organizadores del eveno y es pausada y refinada.

La gallarda se caracteriza por su paso saltado y alegre. Suele ser de ritmo ternario e interpretada después de la pavana.

El branle era una danza que se bailaba en círculo Los participantes se agarraban e iban girando de derecha a izquiera.

 

El saltarello era una danza viva y alegre de procedencia italiana que se interpretaba en un ritmo ternario y se llamó así por su peculiar paso saltado

Algunos de los coreógrafos más importantes de la época fueron Domenico da Piacenza, Guglielmo Ebreo da Pesar y Thoinot Arbeau, que además aportaron mucha información sobre la música, no sólo de la danza.

La viola da gamba

La viola da gamba pertenece a la familia de los cordófonos de arco. Tuvo su mayor momento de esplendor durante el barroco, al mismo tiempo que una nueva familia de instrumentos, la de los violines, irrumpe en el mundo de la música con mucha fuerza, aunque ya se usaba esde el siglo XV, época que estamos estudiando.

 Ya en la Edad Media existen representaciones de instrumentos de cuerda, como vihuelas de arco y rabeles, y no es hasta el siglo XV cuando aparecen instrumentos con características similares a la viola  de gamba, y que dejó de usarse a finales del XVIII, cuando la aparecen las grandes orquestas y el violoncello, más poderoso en sonido que la viola de gamba. Jordi Savall comenzó a estudiar este instrumento para recuperar los sonidos de este instrumento analizando partituras y documentos históricos.

Numerosos testimonios  sustentan la hipótesis de que este instrumento fue creado en la Corona de Aragón (Reino de Valencia, Baleares, Cerdeña, sur de Italia) como evolución de la vihuela de mano. Se desarrollan modelos de diversos tamaños y el instrumento se expande rápidamente por toda España, Italia, Alemania, Francia e Inglaterra.

Madame Henriette tocando la viola da gamba, cuadro de Jean-Marc Nattier, 1754.

Entre sus características destaca que estamos ante un instrumento con diapasón curvo y con siete trastes; una caja con hombros caídos y fondo plano, con talud hacia el mango; una tabla armónica tallada; oídos en forma de C, el puente curvo y un clavijero tallado con motivos figurativos. Las  cuerdas estaban echas de tripa y estaban afinadas por cuartas con una tercera mayor intercalada.

 El instrumento se solía sujetar entre las piernas, con la excepción de las violas de gran tamaño, que se apoyaban en el suelo y se sostenías verticalmente. El arco se coge con palma arriba teniendo algún dedo en contacto directo con las cerdas.

En cuanto a su historia reciente, destaca que en la segunda mitad del siglo XX el instrumento recuperó su importancia debido al movimiento de recuperación de la música antigua interpretada, con especial  protagonismo de centros de enseñanza como la Schola Cantorum Basiliensis (Suiza) o los conservatorios holandeses.