La danza renacentista

La danza es una parte muy importante de la música renacentista porque estaba presente en todas las celebraciones realizadas por las clases altas e influenció a la música instrumenta, ya que gran parte del repertorio estaba dedicado a la danza.

Todo noble con una buena educación debía saber bailar. Los bailes se realizaban en grandes salones que tenían gran importancia dentro de los palacios. Además, es en esta época cuando se encuentran los primeros manuscritos e instrucciones a cerca de cómo se debía bailar.

Al igual que en todos los aspectos de la cultura, la imprenta también influyó en la danza. En esta época se crean los primero escritos coreográficos. Sabemos de la existencia de muy variados tipos de danzas, entre los que destacan los siguientes:
La pavana fue sin duda la danza más importante de la época y abría siempre el baile. En ella sólo participaban los organizadores del eveno y es pausada y refinada.

La gallarda se caracteriza por su paso saltado y alegre. Suele ser de ritmo ternario e interpretada después de la pavana.

El branle era una danza que se bailaba en círculo Los participantes se agarraban e iban girando de derecha a izquiera.

 

El saltarello era una danza viva y alegre de procedencia italiana que se interpretaba en un ritmo ternario y se llamó así por su peculiar paso saltado

Algunos de los coreógrafos más importantes de la época fueron Domenico da Piacenza, Guglielmo Ebreo da Pesar y Thoinot Arbeau, que además aportaron mucha información sobre la música, no sólo de la danza.

La viola da gamba

La viola da gamba pertenece a la familia de los cordófonos de arco. Tuvo su mayor momento de esplendor durante el barroco, al mismo tiempo que una nueva familia de instrumentos, la de los violines, irrumpe en el mundo de la música con mucha fuerza, aunque ya se usaba esde el siglo XV, época que estamos estudiando.

 Ya en la Edad Media existen representaciones de instrumentos de cuerda, como vihuelas de arco y rabeles, y no es hasta el siglo XV cuando aparecen instrumentos con características similares a la viola  de gamba, y que dejó de usarse a finales del XVIII, cuando la aparecen las grandes orquestas y el violoncello, más poderoso en sonido que la viola de gamba. Jordi Savall comenzó a estudiar este instrumento para recuperar los sonidos de este instrumento analizando partituras y documentos históricos.

Numerosos testimonios  sustentan la hipótesis de que este instrumento fue creado en la Corona de Aragón (Reino de Valencia, Baleares, Cerdeña, sur de Italia) como evolución de la vihuela de mano. Se desarrollan modelos de diversos tamaños y el instrumento se expande rápidamente por toda España, Italia, Alemania, Francia e Inglaterra.

Madame Henriette tocando la viola da gamba, cuadro de Jean-Marc Nattier, 1754.

Entre sus características destaca que estamos ante un instrumento con diapasón curvo y con siete trastes; una caja con hombros caídos y fondo plano, con talud hacia el mango; una tabla armónica tallada; oídos en forma de C, el puente curvo y un clavijero tallado con motivos figurativos. Las  cuerdas estaban echas de tripa y estaban afinadas por cuartas con una tercera mayor intercalada.

 El instrumento se solía sujetar entre las piernas, con la excepción de las violas de gran tamaño, que se apoyaban en el suelo y se sostenías verticalmente. El arco se coge con palma arriba teniendo algún dedo en contacto directo con las cerdas.

En cuanto a su historia reciente, destaca que en la segunda mitad del siglo XX el instrumento recuperó su importancia debido al movimiento de recuperación de la música antigua interpretada, con especial  protagonismo de centros de enseñanza como la Schola Cantorum Basiliensis (Suiza) o los conservatorios holandeses.

Mujeres en la historia de la música

Haciendo un paréntesis en el recorrido histórico de la música, me gustaría hablar del papel de la mujer en la música. Hay pocas mujeres conocidas en este ámbito, al igual que en muchos otros, debido al sistema patriarcal vigente durante toda historia, pero por fortuna poco a poco las mujeres se van abriendo paso en este mundo. A continuación voy a hablar brevemente de algunas de las figuras más importantes, ya que pienso que no se valora lo suficiente a las mujeres en este ámbito y todas debemos luchar porque esto cambie.

Hildegardt von Bingen fue una de las eruditas más importantes de la Edad Media. Se trata de una abadesa alemana que dedicó su vida al arte, la ciencia y la música. Es considerada por los especialistas actuales como una de las personalidades más fascinantes y polifacéticas del Occidente europeo.

Barbara Strozzi fue una cantante y compositora italiana del Barroco. La gran mayoría de sus trabajos son cantatas para soprano solista y bajo continuo, por lo que es posible que fueran escritas para ser interpretadas por ella misma. Su música está profundamente ligada con la técnica denominada Seconda prattica, cuyo principal ejemplo es la obra de Claudio Monteverdi. Por otra parte, sus trabajos presentan mayor énfasis lírico que otros de sus contemporáneos.

 

 

 Maria Anna Mozart y Clara Schumann son algunos ejemplos de mujeres que fueron silenciadas y pasaron desapercibidas por tener a su lado a hombres músicos, cuando en muchos casos ellas fueron igual o más talentosas.

Maria Anna Mozart fue una niña prodigio como su hermano. Ambos fueron exhibidos por su ambicioso padre por las cortes de Viena y París. Mientras él continuó con su carrera musical, Maria Anna tuvo que abandonarla por imposiciones sociales, su papel de madre y esposa. Podría haber iniciado su carrera como compositora y hubo quienes afirmaron que era más capacitada para la música que su hermano, pero nunca se conoció ninguna pieza musical suya.

Clara Schumann fue una destacada pianista y compositora alemana a la que el público europeo equiparó al nivel de Franz Liszt. Tuvo una educación musical muy completa y estricta desde pequeña, lo que le llevó a ser una gran virtuosa. Fue una mujer inteligente y luchadora, superó con dignidad muchas tragedias personales como la separación de sus padres, la muerte de cuatro de sus ocho hijos y el intento de suicidio de su marido.

En cuanto a músicas relevantes descan figuras como la de Alicia Larrocha, pianista española reconocida como la de mayor proyección internacional y una de las mejores intérpretes de piano del siglo XX, o la de Jaqueline du Pré, violonchelista británica que ha pasado a la historia por su interpretación del concierto de Elgar.

Amor cortés en la música: trovadores y trovadoras.

La literatura y música del amor cortés de desarrolló durante el siglo XII, especialmente en Aquitania y en la Provenza, en el sur de Francia. Los trovadores (músicos y poetas de la época) se encargaban de componer estas obras y luego interpretarlas, o en su defecto hacer que los juglares las interpretaran, por las diferentes cortes europeas. También popularizaron el concepto de amor cortés, algo revolucionario para la época.

 Pero, ¿en qué consiste el amor cortés? Resumidamente, el amor cortés supone una concepción platónica y mística del amor. Se basa en la total sumisión del enamorado a la dama (por una transposición al amor de las relaciones sociales del feudalismo, el enamorado rinde vasallaje a su señora). Esto origina el "sufrimiento gozoso".

La amada se muestra siempre distante, inaccesible y es la que dirige la relación. Ella es de origen aristocrático y en ocasiones incluso está casada. Por tanto, frecuentemente se trata, de un amor adúltero, por lo que el poeta oculta el objeto de su amor sustituyendo el nombre de la amada por una palabra clave (senhal). El enamorado debe mostar lealtad y devoción para conseguir llegar a su amor, y obtener así la recompensa que esperaba.

La mayoría de trovadores eran miembros de la nobleza, así como las damas y caballeros a quien cantan. De todos modos, por mimetismo, otros grupos sociales tendieron a imitar las costumbres de la clase dominante.

 A la trovadora de los siglos XII y XIII se le llamaba trobairitz. Este término proviene del término provenzal trobar, su significado literal es "encontrar", y el significado técnico es "componer". Las trobairitz componían, escribían versos, cantaban y recitaban en las cortes. En la historia de la música destacan por ser las primeras compositoras conocidas de música secular occidental; todas las compositoras previas conocidas escribían música sacra.

En conclusión, el amor cortés, nacido en los castillos occitanos en el siglo XII, expresa una relación totalmente nueva entre el hombre y la mujer. En contraste con el ambiente brutal de las guerras feudales nace un entorno cultural de música, poesía y juegos.

Guido d'Arezzo y la notación musical.

Guido d'Arezzo es una de las figuras más importantes en la Historia de la Música debido a su papel en el desarrollo de la notación musical.

Este monje benedictino nació en Arezzo (Toscana) en el año 991 o 992. Estudió en la abadía benedictina de Pomposa, donde ensayó la aplicación de un método destinado a enseñar la música de manera científica para así facilitar el canto a los monjes. Establecido en Arezzo en 1025, se encargó de la enseñanza de los cantores de la catedral. En este momento comenzó a poner en práctica su método. Se destacan de sus textos teóricos más importantes La Epístola al Monje Miguel Sobre el Canto Desconocido, Micrólogo Sobre la Disciplina del Arte Musical, Prefazione dell’Antifonario y Regole Ritmiche.

Perfeccionó el tetragrama (pauta musical de cuatro líneas), llevando a la creación del pentagrama (cinco líneas) y la escala diatónica. Perfeccionó la escritura musical con el uso definitivo de líneas horizontales para fijar, ya de forma exacta, las alturas de los sonidos, cercano a nuestro sistema actual y acabando con la notación neumática.

 Otra de sus fundamentales aportaciones fue la creación de la escala y las notas musicales  a partir del himno a san Juan Bautista, conocido como Ut queant laxis y atribuido a Pablo el Diácono.

 En la Edad Media, las notas se denominaban por medio de las primeras letras del alfabeto: A, B, C, D, E, F, G (comenzando por la actual nota la), pero con este sistema cada una de ellas tomaba la primera sílaba de cada verso. En la actualidad este método es empleado en las zonas de habla de lenguas romances.

Guido de Arezzo denominó a este sistema de entonación solmisación (en latín, solmisatio), y más tarde se le llamó solfeo. En el siglo XVII, se sustituyó la nota UT por DO, pues esta sílaba, por terminar en vocal, se adaptaba mejor al canto. También mucho más tarde, a finales del siglo XVI, fue introducida la séptima nota, que recibió el nombre de SI (de Sancte Ioannes)

También se le atribuye a Guido la mano guiodiana, empleada para facilitar el canto a primera vista y hallar los semitonos. Para enseñar el sistema, el maestro indica una serie de notas sobre la palma de la mano y el estudiante debe entonarlas en forma similar a las señas usadas en unión al solfeo.

Historia del Canto Gregoriano.

 

El canto gregoriano un tipo de canto llano (simple, monódico y con una música supeditada al texto) utilizado en la liturgia de la Iglesia católica. Es de carácter prosódico, los textos están en latín, con la excepción del Kyrie Eleison, que está en griego. Se emplea un tetragrama y neumas para su lectura, las piezas son siempre modales y la melodía se mueve por grados conjuntos. Es un tipo de canto monódico, a capella e interpretado por voces masculinas.

La música en la Grecia Clásica

La música de la Antigua Grecia era un arte que se encontraba presente en la sociedad de forma casi universal: en las celebraciones, funerales, en el teatro... Representaba, por tanto, un papel integral en las vidas de los habitantes de la Antigua Grecia.

El término música incluía además del arte de los sonidos, la poesía y la danza. Las obras líricas de todos los antiguos poetas eran compuestas para ser cantadas. De esta forma se garantizaba la difusión de las artes de transmisión oral. En la Antigua Grecia la música recibió influencias de  culturas como la mesopotámica, etrusca, egipcia o incluso las indoeuropeas.

La música en la antigua Grecia tenía una sola melodía (música monódica), pero los instrumentos que la acompañaban a veces imitaban partes de la melodía vocal añadiendo pequeños adornos (acompañamiento heterofónico).

 

El origen del sistema musical griego está basado en las cuatro cuerdas de la lira, es decir, en tetracordos.

Uniendo dos tetracordos se obtienen las escalas modales descendentes: dórico, lidio, frigio y  mixolidio. Su nombre depende de la nota con la que empiezan y cada una de ellas provocaba un sentimiento o "ethos" diferente. 

 

Por los pocos restos de notaciones que nos han llegado sabemos que utilizaban letras encima del texto para indicar la altura del sonido. El ritmo musical estaba unido a los versos de la poesía según unos esquemas denominados "pies métricos", que eran combinaciones de sonidos largos y cortos derivados de las sílabas de las palabras.

En cuanto a instrumentos, destacan: la cítara, el aulos (parecido a un oboe doble en el que ambos instrumentos de viento se tocaban al mismo tiempo), la lira (instrumentos de cuerda pulsada con forma de ábaco), la flauta de Pan o siringa y la corneta.

Apolo con una lira, siglo V a.C.

Los griegos daban mucha importancia al valor educativo y moral de la música. La función de la música en la sociedad de la Antigua Grecia estaba de cierto modo vinculada a su mitología y a la percepción de cómo su raza había sido creada y de cómo sus destinos continuaban controlados y observados por los dioses. La propia palabra «música» procede del griego mousai (musas), las cuales, según la mitología griega, inspiraban todas las actividades creativas e intelectuales.

Conocemos todos estos datos sobre la música en Grecia gracias a fragmentos de notación que se conservan, referencias literarias, pinturas, esculturas, restos arquológicos,... Todo esto ha permitido poder recrear los sonidos y grabarlos.

Música oriental y su influencia en la música clásica de occidente.

Resulta complicado hablar de la música oriental como algo general, ya que, igual que hay religiones y culturas variadas, también  hay manifestaciones musicales muy distintas. Pese a esto, podemos hablar de rasgos comunes que la diferencian de la occidental de forma clara.

Gran parte de las formas musicales orientales surgen a partir de los textos sagrados y el sonido alcanza una cierta dimensión “espiritual”. Además, mientras que en la música occidental encontramos armonía, la oriental sólo tiene melodías. Esto es debido a que hay distancias entre sonidos menores a un semitono, lo que dificulta la formación de acordes. Lo más parecido a la armonía que encontramos es la polifonía y la heterofonía (ejecución simultánea de diferentes versiones de una misma melodía).

La música china se forma a partir de cinco sonidos, es decir, una escala pentatónica. Varios tipos de escalas pentatónicas son utilizadas por otras culturas, como la música andina y escocesa. El jazz, el pop y el rock actuales también utilizan este tipo de sucesión de notas. En cambio, en la música india la escala más común es La-Si-Do#-Re-Mi-Fa-Sol, la cual puede ser armonizada en una progresión de acordes, que han sido usados en la música moderna en temas como  “Ten Years Gone” de la banda británica Led Zeppelín.

En cuanto a instrumentos, encontramos que tienen un sonido muy característico. Algunos ejemplos son las cítaras, el sitar, el koto (uno de los instrumentos más antiguos de Japón) o el erhu. Los de cuerda darán lugar, en gran medida, a la familia de cuerda frotada actual (violines, violas, chellos y contrabajos).

Los timbres vocales característicos incluyen el canto de “falsete” y otras técnicas como los glisandos, vibratos y melismas, que modifican la voz, alejándola de la voz natural occidental.

La música oriental también aparece muy ligada a la danza.

Podemos ver influencias de lo oriental en occidente, sin ir más lejos, en la música española, principalmente por su relación con al-Ándalus . Un ejemplo de ello es El Albaicín, de la Suite Iberia de Albéniz. Otro artista es Jordi Savall, un violagambista, director de orquesta y musicólogo español, especializado en música antigua.

Fuera de España, uno de los músicos que mejor ha integrado la música de Oriente en sus composiciones es Puccini. En óperas como Madame Butterfly o Turandot los toques orientales están perfectamente integrados en la obra.

Podríamos decir que, en general, toda la música europea del siglo XIX (Romanticismo) y principios del XX  tiene cierta inlfuencia asiática debido al exotismo que se buscaba en la época. Descatan compositores franceses como Debussy (Cello Sonata), Messiaen, Roussel (la ópera Padmavati) o Boulez, ya que fue en Francia donde lo chino y japonés empezó a estar de moda. Otro ejemplo son los Temas Hindúes de Maurice Delage (pupilo de Ravel), que fue influído por sus viajes a Asia, especialente a la India.

En la actualidad lo oriental sigue estando presente en la música occidental en cuanto a la utilización de modos, escalas o rítmica (Led Zeppelin, Kashmir). Esto se ve de forma clara en un nuevo género que tuvo lugar en los años 60 con la influencia india en el rock, el raga rock. La canción Inner Light de los Beatles es un ejemplo de ello. También se lleva lo oriental en la música pop, como se ve en la canción Rich Girl de Gwen Stefani, versión de If I were a rich man del musical Fiddler on the Roof.

Instrumentos en la Prehistoria.

Como hemos visto en clase, lo más probable es que la música surgiera en la Prehistoria como forma de imitar los sonidos de la naturaleza. En este período la música no sólo acompañaba rituales religiosos, sino que era parte del día a día del ser humano. Desde entonces no han dejado de aperecer nuevos intrumentos.

En el Paleolítico el ser humano creaba música con su voz, palmas, golpes en el suelo y también con los primeros instrumentos, muy rudimentarios. Estos sonidos estaban destinados a influir sobre los espíritus atrayéndolos o alejándolos según las necesidades del momento ( por ejemplo la caza). Los materiales empleados eran piedras, palos, caracoles, huesos, fibras naturales y trozos de madera. Algunos ejemplos de estos instrumentos son:

Cordófono

  Tambor de hendidura: un trozo del tronco del árbol, al que se le hacía una estrecha hendidura.donde se frotaba un palo o una varilla y producía ruidos. Se encuentra actualmente en muchas culturas tribales.

idiófono

  Palos, Maracas construídas con frutos (calabazas) raspadores de madera , cascabeles (vainas secas) y sonajas

 

En el Neolítico, hacia el año 8000 a.C.,el hombre se hace sedentario, aprende las técnicas de cultivo, domestica animales y tiene tiempo libre, por lo que la música de algún modo comienza a tener la finalidad de entretener.
También existe una relación entre la música y la agricultura. Realizaban ceremonias acompañadas de música para pedir buenas cosechas, lluvias o para agradecer el éxito de las tareas agrícolas. Muchos de estos ritos se realizaban cantando, bailando y acompañanádose con instrumentos.
En cuanto a materiales para la elaboración de instrumentos, se comienzan a usar cañas, semillas, cueros, pieles y cerámica.

Tubos de bambú golpeados contra el suelo

Mirlitón: membrana que se colocaba sobre la boca y distorsionaba la voz

Aerófonos (flauta de caña)

 Además se usaron otros instrumentos como la flauta de Pan, que luego tuvo gran repercusión en zonas como Sudamérica.

En la Edad de los Metales aparecen los instrumentos de metal, que imitan a los que ya tenían pero más perfeccionados. Tienen mejor sonido y son más fáciles de usar. Aparecen las campanas de hierro o bronce, los carrillones primitivos (que son conjuntos de campanas de distinto tamaño y sonido combinadas), los cascabeles metálicos, etc. También aparecen las primeras arpas y liras rústicas.

La evolución de la música hasta nuestros días ha sido enorme. A lo largo de las historia se han creado nuevos instrumentos y estilos musicales, hasta el punto de tener una diversidad casi infinita debido a la invención de la música grabada e instrumentos eléctricos. En cuanto a la relación del cuarto arte en nuestra vida, ya no es algo que aparezca en cualquier ámbito de ella de forma ritual como ocurría en la Prehistoria, sino que ha pasado a estar más ligada con el entretenimiento y el disfrute.